Un artiste de San Diego exprime sa propre humanité dans un travail inspiré de l’architecture dans l’exposition de Carlsbad

Bien qu’il n’ait que 29 ans, Alvaro Alvarez peut rapidement nommer son amour de toujours : l’architecture.

Pendant le cours de mathématiques en troisième année, il a appris à dessiner tout seul, en se concentrant sur les bâtiments de l’hôtel qui l’entouraient. C’est l’architecture hôtelière spécifiquement atypique de Tijuana, où n’importe quel bâtiment peut servir d’hôtel, qui donne à sa jeune imagination une grande liberté.

“J’ai trouvé les hôtels colorés des (architectes mexicains) Ricardo Legorreta et Luis Barragan particulièrement ludiques et relatables”, dit-il.

Il continuerait à utiliser cette inspiration comme centre d’intérêt à l’université, se spécialisant en architecture à l’Université Cornell et construisant une carrière professionnelle qui lui a permis de diriger la conception et la construction d’un hôtel Riviera Maya EDITION à New York. Maintenant, il est un artiste visuel architectural à plein temps (qui a présenté son travail au Salk Institute de La Jolla sur la relation entre les neurosciences et l’architecture) et est présenté dans l’exposition actuelle “Boundaries and Connection” à la PHES Gallery de Carlsbad, aux côtés des artistes Kaori Fukuyama et Kline Swonger, jusqu’au 30 juillet.

Alvarez – qui vit dans le quartier Otay Mesa West de San Diego, entre San Ysidro et Chula Vista – a pris le temps de parler de son art binational, de ce que cela signifie pour lui d’être un « border boy » autoproclamé et de sa capacité à faire impressions sur place des gens autour de lui.

Q : Parlez-nous de l’exposition “Boundaries and Connection” à la PHES Gallery à Carlsbad et du travail que vous avez exposé.

UN: Moi avec Paul Henry et Ellen Speer en 2021 lorsque Kaori Fukuyama nous a présentés alors qu’ils cherchaient des artistes émergents dans la région. Puis ils nous ont réunis tous les trois. L’un des objectifs de l’exposition était de mettre en valeur les artistes locaux qui ont créé des œuvres abstraites. Nous avons travaillé avec l’espace lui-même – séquence de salles de galerie, murs, lumière naturelle – pour organiser les peintures.

Le travail que je présente appartient à mon engagement actuel avec les concepts de bords et de densité en ce qui concerne la liberté et la contrainte. Ils commencent par une première impression saisissante en raison de leur composition plus large et aspirent à vous attirer avec leurs détails complexes et leur dessin au trait actif. Sept des peintures sont réalisées sur papier et trois sur toile; les seules “couleurs” d’encre utilisées sont le noir, le blanc et le sépia, avec des dimensions allant de 13 pouces sur 10 pouces à 40 pouces sur 40 pouces.

Q : Que voulez-vous que les gens retirent de ce travail actuel ?

UN: J’aimerais leur inculquer le sens de la curiosité. La disposition de la galerie permet une première impression de mes peintures à distance. Cette première rencontre est d’une géométrie reconnaissable — sphère, losange, carré — donc facilement identifiable. Au fur et à mesure que les spectateurs s’en approchent, ils se rendent compte qu’il s’agit en fait d’une forme de gestalt dans ses moyens d’organisation : des détails beaucoup plus complexes et des lignes plus petites créant une composition plus grande, les deux échelles étant tout aussi importantes.

Q : Dans quel médium/média préférez-vous travailler et comment ce style vous parle-t-il en tant qu’artiste ?

UN: Je me sens plus à l’aise avec le graphite, le fusain, l’encre et le papier. J’utilise la densité du dessin au trait pour suggérer l’ombre et son absence pour suggérer la lumière. J’aime aussi la fluidité innée de l’encre car même si j’essaie de la contrôler, elle a son propre esprit et se déplace à sa guise. C’est une bonne leçon, à travers la matérialité, qu’on ne peut pas tout contrôler, et que la beauté peut venir du lâcher-prise.

Ce que j’aime chez Otay Mesa West…

Plus important encore, à quel point je suis proche de ma famille – des deux côtés de la frontière. Deuxièmement, c’est la nature. Je suis à quelques minutes à vélo d’Imperial Beach et de nombreux parcs magnifiques autour de moi, notamment l’estuaire de la rivière Tijuana et le parc régional de la vallée d’Otay.

Q : Comment définiriez-vous/décririez-vous ce que vous appelez l’art binational ?

UN: Je le décrirais comme un art créé à travers une double lentille d’appartenance à deux foyers différents, séparés par des frontières créées par l’homme. Je considère mes œuvres d’art comme binationales. Cependant, une œuvre d’art qui n’a pas nécessairement été créée par un artiste de part et d’autre d’une frontière peut aussi être « binationale » si elle exprime une histoire relatable avec des thèmes comme ceux que nous voyons ici. [American sculptor] Les sculptures et les dessins magnifiquement travaillés de Lee Bontecou, ​​par exemple, me transmettent un flux d’énergie positif dans toutes sortes de directions, jusqu’à ce qu’ils soient arrêtés par leurs propres limites physiques.

Q : Qu’essayez-vous d’exprimer dans votre travail ?

UN: Mes propres qualités humaines. J’ai eu du mal à trop réfléchir et à en faire trop, ce qui a entraîné des problèmes de santé physique et mentale. L’art est dans ma vie depuis aussi longtemps que je me souvienne et, plus récemment, a contribué à ma guérison en sortant d’une dépression en 2019. Trois ans plus tard, je suis en meilleure santé que jamais, mais j’ai en moi une dualité qui accompagnera moi pour le reste de ma vie : Premièrement, la passion intense dans laquelle j’embarque tout projet ; et deux, un calme détendu en quête de stabilité. J’exprime cette dualité dans mon travail artistique, en particulier le travail actuellement à la galerie PHES.

Q : Qu’est-ce qui vous inspire dans votre travail ?

UN: Le plus important, la joie. Même si mes peintures peuvent partager des histoires de lutte ou de conflit abstrait, elles sont réalisées avec joie parce que j’aime créer de l’art. C’est le Non. 1 baromètre quand j’entame un travail, qui complète mes autres sources d’inspiration évidentes — l’architecture et la narration.

Q : Dans votre biographie, vous mentionnez être né à San Diego et avoir grandi à Tijuana, au Mexique, vous qualifiant de « garçon frontalier ». Que signifie ce terme pour vous ?

UN: Ayant grandi en traversant si souvent la frontière, cela est devenu une partie quotidienne de ma vie. Lorsque j’ai quitté la Californie du Sud/Baja et que j’ai déménagé à New York, la frontière est devenue une partie plus forte de mon identité. J’ai réalisé à quel point il est spécial d’avoir deux mondes complètement différents dans le cadre d’une seule communauté de ce que j’appelle chez moi. Le terme « border boy » signifie, pour moi, appartenir à plus d’un foyer.

Q : Comment décririez-vous les cultures de l’endroit où vous avez grandi et comment cela a-t-il influencé votre art ?

UN: Une autre dualité. En grandissant, la culture à Tijuana était rapide et très sociale. Les familles étaient très connectées les unes aux autres, et une grande partie de la vie se faisait “à l’extérieur de la maison” dans les espaces événementiels, les salles de bal des hôtels, les restaurants. San Diego, au lieu de cela, a toujours été plus calme et axée sur la nature – du moins, là où je fréquentais étant enfant : Balboa Park, le zoo de San Diego, Sea World, Coronado Beach, etc. La culture d’aujourd’hui semble rester la même, seulement plus grande – J’ai toujours ma dose de rassemblements sociaux au sud de la frontière et je profite des beautés naturelles disponibles dans le sud de la Californie.

Mon art entend aborder des concepts qui ne sont pas unidimensionnels et, au contraire, mettre en avant deux forces parallèles et leur permettre de s’affronter à la recherche d’une coexistence. Un exemple de ceci est dans mon travail actuel, “Imperfect Boundaries”, où la stabilité tente de contenir le chaos. J’y aspire en instaurant un sens de la rigueur et en définissant un bord, ne permettant pas à l’encre de « passer » de l’autre côté. Cela permet à l’encre de circuler librement dans les périmètres “sûrs”, même si parfois les limites sont en effet brisées. Je vois cette conversation (entre l’encre et la frontière) comme un comportement similaire entre Tijuana et San Diego, où une marge délimitée a été établie et différents degrés de flux d’énergie des deux côtés.

Q : Quel est le meilleur conseil que vous ayez jamais reçu ?

UN: Demander de l’aide. Ma chère mère m’a donné ce conseil et cela m’a aidé pour ma santé et mon art. Ayant toujours été très déterminée et volontaire, j’essayais régulièrement de résoudre mes problèmes par moi-même. Bien que cela ait donné des résultats professionnels dans ma carrière, cela a également eu un impact sur mon corps et mon esprit. Pour guérir, j’ai commencé à demander de l’aide – thérapie, famille et foi – et je suis devenu émotionnellement plus sain. De même, lorsque j’ai changé de carrière pour devenir artiste à plein temps, j’ai demandé de l’aide professionnelle et j’ai trouvé un groupe d’artistes incroyablement talentueux, dont Kaori, ici à San Diego, qui m’a offert des conseils et un mentorat, dirigé par l’artiste et professeur Pia Stern.

Q : Quelle est la chose que les gens seraient surpris de découvrir à votre sujet ?

UN: Je suis très sensible aux manières, aux expressions et au langage corporel des autres, alors les gens éclatent de rire quand je fais une impression précise d’eux. Professionnellement, c’est toujours un choc pour les gens de voir tout ce que j’ai vécu et vécu – à la fois de merveilleuses réalisations avec succès, ainsi que des échecs importants qui m’ont aidé à mûrir, le tout à un si jeune âge.

Q : Veuillez décrire votre week-end idéal à San Diego.

UN: J’adore faire des randonnées et camper dans le comté de San Diego. Certains de mes endroits préférés sont la forêt nationale de Cleveland et la montagne Palomar, ainsi qu’Anza-Borrego. Ma famille et moi visitons souvent Julian, le parc Balboa et les musées du comté du Nord.

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